El mundo de Egon Schiele

Egon Schiele es un pintor que pertenece al ambiente artístico de la Secesión Vienesa, un movimiento que surge a finales del siglo XIX en una Viena de plena efervescencia cultural.

En 1897, un grupo de artistas se separó del arte académico oficial, dominado hasta entonces por un estilo historicista que privilegiaba escenas mitológicas, episodios históricos o retratos burgueses idealizados. Estos artistas buscaban romper con una tradición que, aunque era técnicamente impecable, resultaba cada vez más rígida y poco arriesgada.

La Secesión proponía una nueva forma de entender el arte: ya no se trataba solo de representar lo visible, sino de expresar estados de ánimo, inquietudes interiores y tensiones psicológicas.

Este cambio coincidía además con una transformación profunda de la vida urbana. A comienzos del siglo XX, las ciudades crecían rápidamente, la tecnología y la electricidad empezaban a transformar la vida cotidiana y la modernidad generaba tanto entusiasmo como inquietud. En ese contexto, muchos artistas sintieron la necesidad de explorar no solo el progreso exterior, sino también la complejidad del alma humana. Por eso el arte de esta época está cargado de simbolismo, intensidad emocional y experimentación formal.

Schiele y su conexión con Klimt

Entre los fundadores de la Secesión Vienesa se encontraba Gustav Klimt, quien representa una de las caras más reconocibles de la Viena fin de siècle. Su llamada “etapa dorada”, con obras como El Beso, muestra un lenguaje muy decorativo, sensual y simbólico.

Schiele, en cambio, llevó esa modernidad en una dirección mucho más radical.

Klimt fue mentor y protector del joven Schiele, apoyándolo en sus inicios y ayudándolo a entrar en los círculos artísticos de Viena. Sin embargo, el estilo de ambos pronto tomó caminos muy distintos. Mientras Klimt tiende a embellecer el cuerpo y envolverlo en ornamentación y simbolismo, Schiele lo desnuda y lo tensa. Donde Klimt seduce, Schiele confronta.

Klimt forma parte del simbolismo modernista de la Secesión, mientras que Schiele se sitúa ya en el terreno del primer expresionismo. No fundaron juntos un nuevo movimiento, pero sí representan dos momentos de una misma transformación: Klimt abrió la puerta a la modernidad artística en Viena, y Schiele llevó esa libertad hacia una exploración psicológica mucho más extrema.

La Viena de 1900 era brillante en su superficie cultural, pero el Imperio austrohúngaro atravesaba una profunda crisis política e identitaria. Bajo esa apariencia sofisticada latían tensiones sociales y una ansiedad colectiva que muchos artistas percibían con claridad. Schiele captó esa fragilidad con una intensidad singular.

Su historia, sin embargo, terminó de forma trágica. Murió en 1918, durante la pandemia de Gripe española, tres días después de que falleciera su esposa embarazada. Tenía solo 28 años y parecía estar entrando en el momento de mayor madurez de su carrera.

Diferencias entre el Simbolismo y el Expresionismo

El Simbolismo (finales del S. XIX) utiliza metáforas, ensueños y una estética refinada para sugerir ideas espirituales o subconscientes, manteniendo a menudo formas naturalistas. El Expresionismo (principios del S. XX) distorsiona la realidad, usa colores intensos y formas grotescas para proyectar angustia y emociones subjetivas violentas.

 
El Simbolismo busca evocar estados de ánimo y misterio. El Expresionismo busca impactar y mostrar la visión interior y desgarrada del artista.

A nivel formal, el Simbolismo es poético, estilizado y soñador. El Expresionismo es distorsionado, caótico y exagerado. También tratan temas diferentes: el Simbolismo se enfoca en el subconsciente, la espiritualidad y la fantasía. El Expresionismo se centra en la angustia, el miedo y la crítica social.

Finalmente, colores y técnica también son distintos: el Simbolismo utiliza colores sugerentes y el Expresionismo utiliza contrastes fuertes y colores estridentes. 

Ambos movimientos reaccionaron contra el Naturalismo, pero el Simbolismo se refugia en el sueño, mientras el Expresionismo se enfrenta a la realidad distorsionándola. 

Me encanta el aire que respiran las pinturas simbolistas de flores y jardines de Klimt en su etapa más madura y luego ver el contraste con las obras de arte expresionista de Schiele, con todas esas figuras tan angulosas, a menudo retorcidas, con miradas inquietantes y esa sexualidad tan directa, a veces hasta incómoda.

Son impresionantes, perturbadoras, no dejan indiferente. Pero sin duda, la obra de Schiele que más me cautivó en el Palacio Belvedere de Viena fue El Abazo (Amantes II).

¡Silencio! ¡Sorpresa! ¡Te pillé!: las muecas geniales de Ducreux

Paseando por el Museo Nacional de Estocolmo me topé con los autorretratos de Joseph Ducreux. El museo tenía varias obras francesas del siglo XVIII, no recuerdo si de forma permanente o temporal, como préstamo de algún otro museo.

Son pinturas de finales de 1700 que me llamaron la atención, las encontré divertidas, desenfadadas e irreverentes. Son autorretratos, y parecen muy modernos para ser del siglo XVIII.

El autor es Joseph Ducreux (1735–1802), pintor francés que fue retratista de corte en tiempos de Luis XVI y Maria Antonieta. Pero en algunos autorretratos como éstos hizo algo completamente inesperado.

El silencio - Self-Portrait as a Man Saying 'Shh!' (izquierda)

En este cuadro se señala el gesto de mandar callar con el dedo en la boca. El artista mira al espectador de forma directa, parece casi conspirativo o cómplice. Esto es muy raro en la pintura oficial del siglo XVIII, donde los retratos eran solemnes, formales y estáticos. Ducreux rompe esa norma con un gesto cotidiano y algo teatralizado.

La sorpresa - Self-Portrait with a Surprised Expression (derecha)

Aquí también se ve una expresión teatral pero el gesto es todavía más exagerado, con los ojos y la boca bien abiertos. Parece casi una captura instantánea de emoción, algo que en aquella época prácticamente no se hacía.

Aquí Ducreux estaba experimentando con algo muy cercano a la fisiognomía (el estudio de las emociones en el rostro), la expresión teatral y la caricatura. En lugar de retratar estatus social, retrataba expresiones humanas. Muchos historiadores dicen que estas pinturas anticipan algo que luego será muy importante en el arte: capturar emociones espontáneas.

Aurorretrato burlón - Self-Portrait with a Mocking Expression

Ducreux también pintó un autorretrato en el que señala con un dedo al espectador, riéndose o incluso burlándose. De nuevo, es una pose completamente impropia del retrato serio del siglo XVIII, que más bien solía mostrar a la persona digna, inmóvil, elegante y sin gestos exagerados. Aquí, en cambio, el pintor parece un actor en escena que está interactuando contigo. 

Es como una foto tomada en un instante, justo en medio de una expresión, como los anteriores. Por eso hoy resulta tan moderno.

Esta pintura se volvió muy famosa en Internet hace unos años porque la gente decía que parecía un meme del siglo XVIII. La pose de señalar al espectador recuerda mucho a alguien diciendo “¡te pillé!” o "y tú, lo sabes".

The Meme Lord

Busqué información de estos cuadros al volver del viaje, y descubrí que estos autorretratos se volvieron muy virales hace unos años en redes sociales, porque rompen con la rigidez, la formalidad y la solemnidad propias de la pintura de su época, mostrando expresiones faciales exageradas y lúdicas que encajan perfectamente con la cultura irónica de los memes en Internet (muchos denominan al pintor el "Señor de los Memes" del siglo XVIII). Y es que esas expresiones de sus autorretratos, bostezando, riendo, señalando al espectador o con muecas burlonas son espontáneas y modernas, parecen "tipo selfie", permitiendo a la gente identificarse con ellas fácilmente hoy en día, lo que las convierte en imágenes atemporales.

Aunque todos estos cuadros son de finales del siglo XVIII, ya tienen algo que luego será muy importante en el arte moderno: la expresión psicológica y el gesto espontáneo.

De alguna manera, siglos después, artistas como Egon Schiele (que me cautivó en Viena con sus obras, especialmente con El abrazo (Amantes II), también harán autorretratos muy expresivos, aunque con otra intensidad mucho más dramática.

El Abrazo (Amantes II), de Egon Schiele

Entré en el Palacio Belvedere de Viena con ganas de ver las 24 obras de Gustav Klimt, entre ellas El Beso, una de las pinturas más icónicas del arte europeo de principios del siglo XX. Y lo hice, pude verlas con gusto, pausadamente y sin gente. Pero salí de allí con un descubrimiento tan inesperado como fascinante: el mundo de Egon Schiele.

Entre sus cuadros allí expuestos, hubo uno en particular que me atrapó.

Se trata de El abrazo (Amantes II), pintado en 1917. Sobre una sábana blanca y revuelta se abrazan dos amantes desnudos y entrelazados que parecen fundirse en un solo cuerpo. Hombre y mujer aparecen como dos seres desesperadamente aferrados el uno al otro en una estética de líneas angulosas y contornos marcados (algo bastante identificativo del lenguaje expresionista de Schiele), que transmite una cercanía intensa, pero no completamente tranquila.

Se cree que la pareja representada es el propio Schiele y su esposa, Edith Harms, con quien se había casado en 1915. El abrazo transmite mucha intimidad, pero no se percibe solo amor, sino también apego y necesidad. En una sola imagen se consigue combinar deseo, amor y vulnerabilidad.

Un detalle hacia el que pronto se le va a uno la vista es la mano izquierda de ella, apoyada sobre la espalda de él. Los dedos aparecen separados en un gesto que se repite en algunos autorretratos de Schiele. Un día contaré cómo ese gesto en uno de ellos me transportó de forma inmediata a otro lugar y a otra época muy diferentes, recordando una pintura muy conocida de El Greco (hay que tensionar la mano expresamente para hacer ese gesto, uno no puede poner la mano así de forma natural). 

Otro aspecto llamativo es que, aunque los cuerpos están fuertemente unidos, la postura no transmite una fusión completamente tranquila. De hecho, un breve texto junto al cuadro, en la Galería, mencionaba la representación de una angustia interior: una unión intensa en la que, sin embargo, ya se intuye la consciencia de la separación de los cuerpos que vendrá después.

En otras obras de Schiele, la sexualidad aparece cargada de tensión y transmite mucha ansiedad, pero esa tensión suele ser más erótica y provocadora, más inquieta, nerviosa, a veces casi agresiva o incómoda. Los cuerpos parecen aislados o expuestos. En El abrazo, en cambio, la tensión se vuelve más íntima, emocional y existencial. Los cuerpos están unidos y protegidos por el abrazo, aunque se percibe esa sensación de ser consciente de que la unión es momentánea y frágil. 

Esa manera diferente de representar el cuerpo parece reflejar un momento emocional más profundo y menos crispado que en etapas previas. Esto coincide con un cambio en su vida personal: su matrimonio con Edith y una evolución en su mirada hacia las relaciones humanas y la intimidad.

A lo largo de su trayectoria como pintor, se mantiene esa vibración nerviosa que hace que sus figuras parezcan vivas, vulnerables y algo inquietas al mismo tiempo. Pero El abrazo ilustra bien el tránsito de una etapa inicial de intensidad casi agresiva -cuando entre 1909 y 1911 pintaba figuras mucho más angulosas y tensas-, hacia una madurez emocional más estructurada. Y justo cuando parecía entrar en esa madurez artística, murió en 1918 con tan solo 28 años.

Así pues, pintado no solo en los últimos años de la vida del artista sino también en el contexto de la Primera Guerra Mundial, el cuadro refleja una mirada profunda sobre la intimidad humana. El abrazo no es solo unión física, sino también conciencia de la fragilidad del instante compartido. Los amantes se aferran uno al otro como si presintieran la inevitable separación, y en esa mezcla de ternura, deseo y angustia reside gran parte de la fuerza emocional que tanto me resonó de esta obra. Más que un gesto erótico, este abrazo muestra la complejidad del amor: refugio y cercanía, pero también conciencia de su carácter efímero.

El Beso, de Gustav Klimt

Pintado en 1907-1908 por Gustav Klimt, El Beso es una de las obras cumbre del Simbolismo y la pieza más icónica del Modernismo vienés. Es un cuadro muy reconocido porque representa la culminación de la “etapa dorada” del pintor, en la que usaba pan de oro en sus cuadros.

La obra resume la estética del movimiento de la Secesión de Viena: belleza moderna, libertad artística y ruptura con el academicismo. El Beso une erotismo y espiritualidad sin escándalo (a diferencia de otras obras suyas). Es decorativo, pero profundamente simbólico. Sensual, pero contenido. Ornamental, pero íntimo. Por eso conecta tanto con el público.

Me ha encantando bucear por el cuadro y todo el contexto histórico-artístico del momento en el que se pintó. Y eso es lo que comparto hoy aquí, profundizando en una obra que la Galería Belvedere de Viena compró incluso antes de que el autor la terminase, lo que ya anticipaba su impacto icónico. 

¿Qué está pasando en Europa en 1900?

El contexto de la obra es una Europa de cambio artístico. Aparecen nuevas ideas sobre la mente, Sigmund Freud introduce el concepto del inconsciente y los artistas empiezan a explorar emociones, sueños, el deseo humano, la ansiedad …

Las ciudades crecen rápidamente: Viena, París, Berlín … La vida urbana y moderna genera nuevas sensaciones, estrés y cambios sociales. La ciencia cuestiona certezas antiguas: teorías de la mente, nuevas visiones del tiempo y la realidad, tecnología y electricidad cambiando la vida cotidiana … Se instala una sensación de “fin de época”, muchos sienten que el viejo mundo está agotado: el Imperio austrohúngaro se tambalea, hay tensiones sociales y cambios culturales profundos. Esto genera el clima que los historiadores llaman “fin de siècle”.

Y ¿cómo era la Viena del 1900? 

La ciudad vivía un momento cultural explosivo:

• Freud, padre del psicoanálisis, estudia la mente inconsciente, los sueños y la sexualidad reprimida, descubriendo lo oculto dentro de la mente humana, lo que no se veía a simple vista. 
• Compositores como Gustav Mahler crean sinfonías musicales que combinan lo grandioso y lo íntimo. 
• Otto Wagner, arquitecto modernista, precursor del funcionalismo, trabaja combinando estructura y ornamento, con la idea de transformar Viena desde lo académico hacia un modernismo funcional y elegante.
• Y en la literatura y artes plásticas también se viven momentos de cambio. Arthur Schnitzler, escritor y dramaturgo, exploraba los deseos, la ansiedad y la sexualidad en la Viena burguesa, desnudando la vida interior de sus personajes con intensidad psicológica, como un Freud en palabras.

En ese contexto, en 1897 nace la Vienna Secession, un grupo de artistas que se separa del arte académico oficial. Su lema era “A cada época su arte, al arte su libertad.” Gustav Klimt fue uno de los fundadores y su primer presidente.

Antes de la Secesión, Viena estaba dominada por un arte historicista y académico, muy ligado a la Academia de Bellas Artes: temas clásicos (historia, mitología, retrato burgués); técnica refinada, realista, idealizada; pintura ornamental, sin experimentación radical. El arte académico era hermoso, técnico y seguro, pero poco atrevido o experimental. La Secesión Vienesa iba a romper con esa rigidez.

Klimt: sensualidad y símbolo

Klimt representa la fase más decorativa y simbólica de ese movimiento: oro, erotismo elegante, alegorías, influencia bizantina, composición ornamental. Su etapa dorada, a la que pertenece el cuadro El Beso, es la cara más conocida de esa Viena fin-de-siècle.

El Beso cierra simbólicamente la fase más intensa de uso de pan de oro por parte del autor. Después de 1908, Klimt comenzó a alejarse del uso intensivo del dorado hacia un estilo más colorido y con motivos florales, terminando efectivamente su "fase dorada". Hay obras preciosas y muy cautivadoras de esa etapa que pueden verse en el Palacio Velvedere, otro día cuento algo de alguna de las que más me gustaron.

El Beso: detalles técnicos y composición

Pintado durante esa "fase dorada" del autor, representa un abrazo apasionado entre dos amantes, fusionando erotismo, espiritualidad y una riqueza ornamental sin precedentes. 

Técnicamente, se trata de un óleo con aplicaciones de pan de oro y plata sobre lienzo. Es una obra cuadrada que presenta a una pareja entrelazada en un prado de flores, al borde de un precipicio, lo que simboliza tanto la belleza como el riesgo del amor. El protagonismo temático es para el beso: ella tiene los ojos cerrados, en un estado de éxtasis o rendición, mientras él le besa la mejilla, con una mano que sostiene la cabeza de ella. 

¿Por qué se ha encumbrado tanto?

Por la universalidad del tema que trata. Representa el amor pasional y la intimidad de una forma que trasciende el tiempo. Y, aunque se especula que son Klimt y su compañera Emilie Flöge, los rostros están parcialmente ocultos para que cualquier espectador pueda proyectarse en ellos, lo que favorece también esa identificación universal.

También hay que decir que el cuadro tiene una estética que deslumbra al mirarla, el uso del oro y el estilo ornamental "klimtiano" es visualmente espectacular y capta enseguida la atención. Además, combina la sensualidad humana con una abstracción geométrica que incluso a día de hoy puede percibirse como moderna.

En resumen, El Beso no es solo una pintura de una pareja, sino una alegoría de la fusión del ser en un mundo cambiante, combinando la mística antigua (oro bizantino) con la modernidad psicológica de principios del siglo XX. Es un cuadro que ha sido encumbrado como el símbolo universal del amor romántico y pasional.

El simbolismo del cuadro

La ornamentación no es solo decorativa, sino que diferencia los géneros y las fuerzas vitales. La figura masculina viste una túnica hecha de motivos rectangulares y tonos blancos y negros, figuras geométricas que representan fuerza y estructura. El vestido de la mujer, en cambio, está decorado con formas orgánicas (círculos, curvas) y coloridos motivos florales que representan la suavidad, la vida y la fertilidad. La pareja está al borde de un precipicio, un abismo floral, lo que simboliza la vulnerabilidad del amor y cómo este aísla a los amantes del peligro exterior. 

Motivos del uso de pan de oro

Klimt visitó la Basílica de San Vital en Rávena (Italia) y quedó fascinado por los mosaicos bizantinos, donde el oro elevaba a los personajes a un plano espiritual. El uso de pan de oro responde así a una inspiración bizantina, envolviendo a los amantes y elevando su unión terrenal a un plano sagrado, espiritual y eterno. Al usar un material que históricamente estaba reservado para iconos religiosos, Klimt santifica el amor carnal, convirtiendo el deseo en algo divino y eterno.

Adicionalmente, transmite lujo y sensualidad: refleja la opulencia de la Viena de la época y subraya la intensidad del momento íntimo. Y en el plano técnico, tiene un efecto tridimensional, ya que confiere a la pintura una luminosidad especial y una apariencia de mosaico moderno, casi tridimensional. 

Finalmente, también es importante mencionar el legado familiar. Su padre era grabador de oro, lo que le dio una familiaridad técnica única con este material. 

Contexto del cuadro en la vida del autor

Antes de esta obra, Klimt sufrió fuertes críticas por sus pinturas para la Universidad de Viena, que se llegaron a tachar de obscenas y pornográficas. Tras ello, Klimt buscó refugio en un estilo más decorativo y simbólico que le devolviera el favor del público, logrando con El Beso un éxito inmediato.

La obra, pues, acabó siendo una respuesta, el triunfo del amor y la belleza sobre la crítica y el inmovilismo, marcando la transición entre el simbolismo del siglo XIX y la abstracción del XX, y capturando la elegancia de un imperio (el Austro-húngaro) que estaba a punto de desaparecer tras la Primera Guerra Mundial.