El Beso, de Gustav Klimt

Pintado en 1907-1908 por Gustav Klimt, El Beso es una de las obras cumbre del Simbolismo y la pieza más icónica del Modernismo vienés. Es un cuadro muy reconocido porque representa la culminación de la “etapa dorada” del pintor, en la que usaba pan de oro en sus cuadros.

La obra resume la estética del movimiento de la Viena Secesión: belleza moderna, libertad artística y ruptura con el academicismo. El Beso une erotismo y espiritualidad sin escándalo (a diferencia de otras obras suyas). Es decorativo, pero profundamente simbólico. Sensual, pero contenido. Ornamental, pero íntimo. Por eso conecta tanto con el público.

Me ha encantando bucear por el cuadro y todo el contexto histórico-artístico del momento en el que se pintó. Y eso es lo que comparto hoy aquí, profundizando en una obra que la Galería Belvedere de Viena compró incluso antes de que el autor la terminase, lo que ya anticipaba su impacto icónico. 

¿Qué está pasando en Europa en 1900?

El contexto de la obra es una Europa de cambio artístico. Aparecen nuevas ideas sobre la mente, Sigmund Freud introduce el concepto del inconsciente y los artistas empiezan a explorar emociones, sueños, el deseo humano, la ansiedad …

Las ciudades crecen rápidamente: Viena, París, Berlín … La vida urbana y moderna genera nuevas sensaciones, estrés y cambios sociales. La ciencia cuestiona certezas antiguas: teorías de la mente, nuevas visiones del tiempo y la realidad, tecnología y electricidad cambiando la vida cotidiana … Se instala una sensación de “fin de época”, muchos sienten que el viejo mundo está agotado: el imperio austrohúngaro se tambalea, hay tensiones sociales y cambios culturales profundos. Esto genera el clima que los historiadores llaman “fin de siècle”.

Y ¿Cómo era la Viena del 1900? 

La ciudad vivía un momento cultural explosivo:

• Freud, padre del psicoanálisis, estudia la mente inconsciente, los sueños y la sexualidad reprimida, descubriendo lo oculto dentro de la mente humana, lo que no se veía a simple vista. 
• Compositores como Gustav Mahler crean sinfonías musicales que combinan lo grandioso y lo íntimo. 
• Otto Wagner, arquitecto modernista, precursor del funcionalismo, trabaja combinando estructura y ornamento, con la idea de transformar Viena desde lo académico hacia un modernismo funcional y elegante.
• Y en la literatura y artes plásticas también viven momentos de cambio. Arthur Schnitzler, escritor y dramaturgo, exploraba los deseos, la ansiedad y la sexualidad en la Viena burguesa, desnudando la vida interior de sus personajes con intensidad psicológica, como un Freud en palabras.

En ese contexto, en 1897 nace la Viena Secesión, un grupo de artistas que se separa del arte académico oficial. Su lema era “A cada época su arte, al arte su libertad.” Gustav Klimt fue uno de los fundadores y su primer presidente.

Antes de la Secesión, Viena estaba dominada por un arte historicista y académico, muy ligado a la Academia de Bellas Artes: temas clásicos (historia, mitología, retrato burgués); técnica refinada, realista, idealizada; pintura ornamental, sin experimentación radical. El arte académico era hermoso, técnico y seguro, pero poco atrevido o experimental. La Secesión Vienesa iba a romper con esa rigidez.

Klimt: sensualidad y símbolo

Klimt representa la fase más decorativa y simbólica de ese movimiento: oro, erotismo elegante, alegorías, influencia bizantina, composición ornamental. Su etapa dorada, a la que pertenece el cuadro El Beso, es la cara más conocida de esa Viena fin-de-siècle.

El Beso cierra simbólicamente la fase más intensa de uso de pan de oro por parte del autor. Después de 1908, Klimt comenzó a alejarse del uso intensivo del dorado hacia un estilo más colorido y con motivos florales, terminando efectivamente su "fase dorada". Hay obras preciosas y muy cautivadoras de esa etapa que pueden verse en el Palacio Velvedere, otro día cuento algo de alguna de las que más me gustaron.

El Beso: detalles técnicos y composición

Pintado durante esa "fase dorada" del autor, representa un abrazo apasionado entre dos amantes, fusionando erotismo, espiritualidad y una riqueza ornamental sin precedentes. 

Técnicamente, se trata de un óleo con aplicaciones de pan de oro y plata sobre lienzo. Es una obra cuadrada que presenta a una pareja entrelazada en un prado de flores, al borde de un precipicio, lo que simboliza tanto la belleza como el riesgo del amor. El protagonismo temático es para el beso: ella tiene los ojos cerrados, en un estado de éxtasis o rendición, mientras él le besa la mejilla, con una mano que sostiene la cabeza de ella. 

¿Por qué se ha encumbrado tanto?

Por la universalidad del tema que trata. Representa el amor pasional y la intimidad de una forma que trasciende el tiempo. Y, aunque se especula que son Klimt y su compañera Emilie Flöge, los rostros están parcialmente ocultos para que cualquier espectador pueda proyectarse en ellos, lo que favorece también esa identificación universal.

También hay que decir que el cuadro tiene una estética que deslumbra al mirarla, el uso del oro y el estilo ornamental "klimtiano" es visualmente espectacular y capta enseguida la atención. Además, combina la sensualidad humana con una abstracción geométrica que incluso a día de hoy puede percibirse como moderna.

En resumen, El Beso no es solo una pintura de una pareja, sino una alegoría de la fusión del ser en un mundo cambiante, combinando la mística antigua (oro bizantino) con la modernidad psicológica de principios del siglo XX. Es un cuadro que ha sido encumbrado como el símbolo universal del amor romántico y pasional.

El simbolismo del cuadro

La ornamentación no es solo decorativa, sino que diferencia los géneros y las fuerzas vitales. La figura masculina viste una túnica hecha de motivos rectangulares, angulares y tonos blancos/negros, figuras geométricas que representan fuerza y estructura. El vestido de la mujer, en cambio, está decorado con formas orgánicas (círculos, curvas) y coloridos motivos florales que representan la suavidad, la vida y la fertilidad. La pareja está al borde de un precipicio, un abismo floral, lo que simboliza la vulnerabilidad del amor y cómo este aísla a los amantes del peligro exterior. 

Motivos del uso de pan de oro

Klimt visitó la Basílica de San Vital en Rávena (Italia) y quedó fascinado por los mosaicos bizantinos, donde el oro elevaba a los personajes a un plano espiritual. El uso de pan de oro responde así a una inspiración bizantina, envolviendo a los amantes y elevando su unión terrenal a un plano sagrado, espiritual y eterno. Al usar un material que históricamente estaba reservado para iconos religiosos, Klimt santifica el amor carnal, convirtiendo el deseo en algo divino y eterno.

Adicionalmente, transmite lujo y sensualidad: refleja la opulencia de la Viena de la época y subraya la intensidad del momento íntimo. Y en el plano técnico, tiene un efecto tridimensional, ya que confiere a la pintura una luminosidad especial y una apariencia de mosaico moderno, casi tridimensional. 

Finalmente, también es importante mencionar el legado familiar. Su padre era grabador de oro, lo que le dio una familiaridad técnica única con este material. 

Contexto del cuadro en la vida del autor

Antes de esta obra, Klimt sufrió fuertes críticas por sus pinturas para la Universidad de Viena, que se llegaron a tachar de obscenas y pornográficas. Tras ello, Klimt buscó refugio en un estilo más decorativo y simbólico que le devolviera el favor del público, logrando con El Beso un éxito inmediato.

La obra, pues, acabó siendo una respuesta, el triunfo del amor y la belleza sobre la crítica y el inmovilismo, marcando la transición entre el simbolismo del siglo XIX y la abstracción del XX, y capturando la elegancia de un imperio (el Austro-húngaro) que estaba a punto de desaparecer tras la Primera Guerra Mundial.