El Abrazo (Amantes II), de Egon Schiele

Entré en el Palacio Belvedere de Viena con ganas de ver las 24 obras de Gustav Klimt, entre ellas El Beso, una de las pinturas más icónicas del arte europeo de principios del siglo XX. Y lo hice, pude verlas con gusto, pausadamente y sin gente. Pero salí de allí con un descubrimiento tan inesperado como fascinante: el mundo de Egon Schiele.

Entre sus cuadros allí expuestos, hubo uno en particular que me atrapó.

Se trata de El abrazo (Amantes II), pintado en 1917. Sobre una sábana blanca y revuelta se abrazan dos amantes desnudos y entrelazados que parecen fundirse en un solo cuerpo. Hombre y mujer aparecen como dos seres desesperadamente aferrados el uno al otro en una estética de líneas angulosas y contornos marcados (algo bastante identificativo del lenguaje expresionista de Schiele), que transmite una cercanía intensa, pero no completamente tranquila.

Se cree que la pareja representada es el propio Schiele y su esposa, Edith Harms, con quien se había casado en 1915. El abrazo transmite mucha intimidad, pero no se percibe solo amor, sino también apego y necesidad. En una sola imagen se consigue combinar deseo, amor y vulnerabilidad.

Un detalle hacia el que pronto se le va a uno la vista es la mano izquierda de ella, apoyada sobre la espalda de él. Los dedos aparecen separados en un gesto que se repite en algunos autorretratos de Schiele. Un día contaré cómo ese gesto en uno de ellos me transportó de forma inmediata a otro lugar y a otra época muy diferentes, recordando una pintura muy conocida de El Greco (hay que tensionar la mano expresamente para hacer ese gesto, uno no puede poner la mano así de forma natural). 

Otro aspecto llamativo es que, aunque los cuerpos están fuertemente unidos, la postura no transmite una fusión completamente tranquila. De hecho, un breve texto junto al cuadro, en la Galería, mencionaba la representación de una angustia interior: una unión intensa en la que, sin embargo, ya se intuye la consciencia de la separación de los cuerpos que vendrá después.

En otras obras de Schiele, la sexualidad aparece cargada de tensión y transmite mucha ansiedad, pero esa tensión suele ser más erótica y provocadora, más inquieta, nerviosa, a veces casi agresiva o incómoda. Los cuerpos parecen aislados o expuestos. En El abrazo, en cambio, la tensión se vuelve más íntima, emocional y existencial. Los cuerpos están unidos y protegidos por el abrazo, aunque se percibe esa sensación de ser consciente de que la unión es momentánea y frágil. 

Esa manera diferente de representar el cuerpo parece reflejar un momento emocional más profundo y menos crispado que en etapas previas. Esto coincide con un cambio en su vida personal: su matrimonio con Edith y una evolución en su mirada hacia las relaciones humanas y la intimidad.

A lo largo de su trayectoria como pintor, se mantiene esa vibración nerviosa que hace que sus figuras parezcan vivas, vulnerables y algo inquietas al mismo tiempo. Pero El abrazo ilustra bien el tránsito de una etapa inicial de intensidad casi agresiva -cuando entre 1909 y 1911 pintaba figuras mucho más angulosas y tensas-, hacia una madurez emocional más estructurada. Y justo cuando parecía entrar en esa madurez artística, murió en 1918 con tan solo 28 años.

Así pues, pintado no solo en los últimos años de la vida del artista sino también en el contexto de la Primera Guerra Mundial, el cuadro refleja una mirada profunda sobre la intimidad humana. El abrazo no es solo unión física, sino también conciencia de la fragilidad del instante compartido. Los amantes se aferran uno al otro como si presintieran la inevitable separación, y en esa mezcla de ternura, deseo y angustia reside gran parte de la fuerza emocional que tanto me resonó de esta obra. Más que un gesto erótico, este abrazo muestra la complejidad del amor: refugio y cercanía, pero también conciencia de su carácter efímero.